что видит художник когда рисует
Мир глазами художника, как научиться видеть
Речь пойдет о простых практических навыках, способных помочь начинающему художнику лучше понимать натуру, чтобы потом ее изобразить более достоверно.
Как мы учимся рисовать
Основные два варианта, при которых Вы учитесь с кем-то (то есть у Вас есть определенный ориентир):
Но в обоих случаях Ваша работа протекает не самостоятельно, Вам помогают. И за пределами этого пространства Вам тяжело выполнить что-то самим, без постороннего вмешательства.
И тут как раз встает вопрос о том, что бы увидеть, как это применить на других объектах, на других своих рисунках, на другой натуре.
Например, в видео про светотень я показывала примеры светотени на определенных предметах. И моей целью было то, что бы Вы поняли основные принципы светотени, увидели все то же самое на другой натуре, на тех предметах, которые Вы собираетесь рисовать самостоятельно.
И тут как раз вот это «видеть» крайне важно. Ведь не всегда все так наглядно, как в уроках, натура бывает очень смутной, со странным освещением. И после урока Вы: «я все понял!». А потом садитесь за какой-нибудь натюрморт и опа! – «Ох! Ничего такого тут нет! И как это рисовать? А где та светотень, о которой было в уроке?» И все, начинается ступор.
Вы начинаете искать дополнительную информацию, у вас возникают вопросы.
Вопросы – это хорошо! Но они могут мучить Вас бесконечно. Вы разберетесь с одним, начинается другое, решите другое, возникают проблемы с третьим. И так может длиться бесконечно. Но если вы научитесь видеть натуру, вопросов станет определенно меньше.
Каким образом мы учимся видеть натуру
И тут все довольно просто и очевидно, однако требует терпения и внимательности.
То есть, прежде чем преступить к практике (непосредственно к рисунку), понаблюдайте за объектом, попробуйте мысленно его разложить по тем основам рисунка, которые Вы уже знаете.
Та же самая светотень, например. Действительно ли падающая тень от этого объекта, темнее, чем собственная? Я же знаю, что она должна быть темнее, чем собственная! Почему я здесь этого не вижу?
Почему я не вижу рефлекса, например.
И так далее.
Перспектива та же самая, как сильно объект уходит в перспективу, насколько он отклонен от горизонталей, почему мне кажется, что объект вытянутой формы, а он на самом деле круглый. И вот таких копаний очень много. И, кажется, что от них можно сойти с ума. Проще взять, сесть, нарисовать. Если не получилось, анализировать свои ошибки.
Но наблюдение за натурой, любование ею – это неотъемлемая часть творческого процесса. Художнику важно понять, как передать то, что он видит. Так что если Вы не озадачиваетесь этим, то результаты вашего труда, возможно, будут гораздо ниже, чем если бы Вы просто наблюдали за предметами вокруг.
И это хорошая практика для художника – смотреть на мир не обыденным взглядом, а с анализом. Даже если Вы ничего не собираетесь рисовать, не ленитесь иногда рассматривать предметы вокруг себя и при этом представлять, как это изобразить на листе.
Когда я еще училась, я ездила в общественном транспорте и часто залипала на лица людей. Мне кажется, что из-за меня многим было неловко, потому что мне нравилось смотреть внимательно, анализировать, что-то представлять в своей голове.
Ну что поделаешь – я изучаю натуру, люди, простите меня. Я, конечно, не призываю Вас пялиться на людей в общественном транспорте. Но если вы хотите стать портретистами, то наблюдать за натурой так или иначе придется.
И второе, что тренирует наше зрительное восприятие – это анализ собственных готовых работ.
Да! Критикуем себя, самостоятельно, без посторонней помощи. Сравниваем с натурой свою работу, а потом смотрим на нее без сравнения с натурой. Дело в том, что Вашу работу зритель не будет оценивать в сравнении с оригиналом, он будет смотреть на нее отстраненно. И смотрите, что в ней не так? Что в ней можно улучшить, что бросается в глаза, как нечто нехорошее.
И самое главное, смотрите, что у Вас вышло хорошо! Что у вас вышло классно, круто! И обязательно хвалите себя за это, и ни в коем случае не расстраивайтесь из-за ошибок, ведь все исправимо. Самое главное, Вы видите и понимаете, в чем промахнулись. И в следующий раз все выйдет обязательно лучше.
Новое в блогах
Художественное видение как основа развития творческой личности
Художественное видение как основа развития творческой личности
В данной статье раскрыто специфическое видение, окружающего мира, взгляд на натуру, творческим человеком.
Анализ формы, объем, восприятие, изучение натуры.
Artistic vision as a basis for the development of creative personality
In this article disclosed the specific vision of the world, look at the creative person.
Key words: analysis of the form, volume, perception, study of nature.
Первое впечатление от увиденного произведения бывает ошибочно, т.к. существует много факторов, которые влияют на наше восприятие. Таковыми могут быть: уровень образованности, настроения в этот определенный момент, даже от времени суток и состояния погоды и т.д.
Вглядываясь в произведение, мы получаем положительные или отрицательные эмоции. Глубоко переживаем радость или эмоциональный упадок. При этом проявление чувств и эмоциональное напряжение выражается сильнее, когда произведение нам нравится, когда эмоции положительные. Когда произведение не нравится, оно оставляет свой отпечаток, свой след в памяти. Эмоции возникающие при рассматривании произведения, если они возникают, независимо от того отрицательные или положительные, оказывают огромное влияние на зрителя и на формирование личности, носят воспитательный характер. Может быть, те работы, которые не нравятся, вызывают отрицательные эмоции, оказывают большее влияние на формирование взглядов, будущего художника. Эти работы оказывается не совсем и плохи, т.к. они вызвали эмоции. Мы долго будем их помнить. Плохи те работы, которые не вызвали никаких эмоций, которые скоро забудутся.
Зрительное восприятие творческого человека имеет особый характер, связанное не только с тем, что художник видит, но и с тем, что он представляет; с работой не столько глаз, сколько мозга. От представлений, которые возникают в сознании живописца, скульптора, графика и зависит, как воспринимает зритель, его работу. Художники создают материал для изобразительного процесса, который, прежде всего, отличается пластичностью изображения от литературного описания или музыкального выражения, хотя и могут быть созданы на их основе, и на непосредственном воздействии. Студент в этот момент находится на распутье, когда он еще не художник, но и не простой обыватель. В этот момент у студента в голове возникает множество противоречий, которые он не может, но пытается разрешить. Если это происходит, тогда многие вопросы разрешатся в той или иной степени, в течение учебы и постижении творческого процесса. Если студент в момент зрительного восприятия художественного произведения не испытывает противоречий, тогда процесс обучения и его результат будет сомнительным. Может случиться так, что процесс будет неуправляемым. Чтобы этого не происходило и не получилось так, что распознать это пришлось не на ранней стадии обучения, необходимо вводить собеседование и творческий экзамен. На сегодняшний день экзамен существует, но в погоне за количеством студентов, он не дает результата. Абитуриент после выхода из школы, не представляет той ответственности, которую на себя возлагает. Отрицательно сказывается и погоня за высшим образованием. Система образования на сегодняшний день – не совершенна. Старую разрушили, а ее признавали лучшей во всем мире, новую не построили. Признание своих ошибок происходит спустя некоторое – продолжительное время, но упущенное не догонишь, т.к. другие не стоят на одном месте. Советская система образования была продумана и апробирована годами. Обучение, развитие и становление проходило по ступеням обучения. В стране был порядок, не было резких колебаний из стороны в сторону, как случилось с историей, как хотим, так и трактуем. С развалом СССР, некоторые решили, что «холодная война» закончилась, но это мнение ошибочно. Холодная война не закончится никогда. С введением бакалавриата количество часов по специальным дисциплинам уменьшилось в два раза. Следовательно, студент недополучает знаний на 200%, какое качество знаний и умений может быть после этого. О каком развитии способностей может идти речь. Нагрузка уменьшилась в 2 раза. Преподавателей вынуждены сократить, что в итоге скажется на качестве образования. Появились новые безработные…
Возвращаясь к проблеме, хочется узнать, каково значение, наблюдения, изучения натуры. Оно отражает не только индивидуальный характер его видения, но и обладает неповторимой способностью достичь наглядности возникающих представлений. Оно зависит от синтезирующей роли сознания и опирается на весь духовный опыт художника. В определенном смысле зрительное восприятие оказывается формой выражения в изобразительном процессе. Весь огромный мир художественных фантазий, умозаключений, анализа и обобщений в пластическом искусстве проявляется в зримых образах. Зрительное восприятие в равной мере и степени относится к тому, как художник видит, и к тому, как он передает свое представление, свое видение мира.
В своей деятельности художник «подражает природе», т.к. она первична. Художник учится у нее, подражает, но подражает, не означает «копирует». Опираясь на познание реальности, создает свою собственную художественную достоверность, свое видение и его отражение. Мир художника – сложный, порой не каждому понятный, даже человеку, имеющему такой же статус. Это и правильно, т.к. у каждого художника свой взгляд на окружающий мир, свои интеллектуальные, психологические, чувственные способы освоения жизни. Соединившись воедино, получается пестрая картина духовных и эстетических стремлений времени, а впечатления о прошлом и современном искусстве, накладывают свой отпечаток, оказывают свое давление. Так и у студента, который приходит за знаниями, свое видение мира. На первом этапе его нужно поддержать и постепенно переводить в ту стадию, в которой его можно будет формировать, в которой раскроются его способности, откроется новое видение, новое отношение к окружающему миру и творчеству. Это должно проходить в гармоничных отношениях педагога и студента. Педагог в этом случае должен быть авторитетом, должен уметь работать с материалом на практике и объяснить сам процесс работы, т.е. знать теорию. Студент в свою очередь должен хотеть понять педагога, его требования и мысли. Процесс, когда педагог может и хочет – а студент хочет и может – будет являться вершиной взаимодействия и понимания, тогда можно горы свернуть. Когда нет такого контакта процесс, обучения сводится к нулю, т.е. желаемого результата может и не быть. Все это, соединяясь в творческой деятельности, образует мощную способность познания действительности в наглядной, зрительной форме и отражение на бумаге, холсте, в материале. Огромным подспорьем в этом вопросе является желание студента. При желании можно горы свернуть и достичь вершин…
Постигая процессы становления, перерастания, изменение качества, студент тем самым решает вопрос покорения, подчинения себе тех вершин, которые недавно казались недосягаемыми, заоблачными. Труд и желание, стремление овладеть навыками и мастерством сметут на своем пути горы ненужной породы. Это преодоление и есть учение в муках, не постигнув которое, не даст результата. Самоотдача-путь к вершине. Не все получается сразу. Если не получилось, необходимо продолжать начатую работу, исправлять ошибки и двигаться вперед, переосмысливая весь процесс от начала и до конца. Процесс работы головой и руками даст положительный результат, но не скоро, не сразу. Постепенно придет понимание о правильно выбранном направлении и удовольствие от конечного результата. Но это появится не скоро, впереди еще много учебы и работы, много терзаний, упорства, без которых невозможно найти, то единственное, правильное решение…
Активная реакция на красоту и гармоничность или, напротив, дисгармоничность отношений проявляется в гораздо большей степени у художника, чем у обычного человека. Художник обладает способностью к зрительному суждению. Он может увидеть объем, расчленить его на формосоставляющие и снова вернуться к объему, дать специфическую оценку вещам, оказавшимся в сфере внимания, или представленным в его воображении. Его зрительное восприятие «умеет» ярче произвести синтезирующую работу и образовать более ясное и цельное впечатление, от увиденного или придуманного. Зрительная активность художника обладает повышенной подвижностью, и сам он в свою очередь постоянно готов к впечатлению. Мы знаем бесчисленные свидетельства того, как именно внезапно поражающее воображение, впечатление возбуждает творческую активность, в итоге под возникшим воображением, впечатлением создается произведение. Конечно, почва подготовлена внутренним сосредоточенным интересом, но нужен порыв, толчок, чтобы пробудились еще дремлющие силы. Художник всегда несет в себе готовность к этому пробуждению, и состоит она, прежде всего в активности его зрительной реакции. Художник видит по другому, по особенному и это видение дает ему больше впечатлений, чем простому обывателю, человеку. Впечатления в свою очередь и дают эмоциональный заряд на творчество, они напрямую влияют на работоспособность творческого человека. Глаз художника гибче и глубже, острее отзывается на действие самих зрительных процессов. В этом смысле можно сказать, что художник испытывает удовольствие от самого созерцания. В отличие от простого человека, живописец, скульптор или график, по-другому видит предметы их объем и форму. Человек рассматривает объект до тех пор, пока его не опознает, если не стоит другая задача. Художник воспринимает объект, как форму. Обывателя интересует смысл предмета, область его применения, его рациональность. Художник, по существу, начинает «смотреть» именно с того момента, когда простой зритель остановился. Изменить зрительное восприятие студента на предмет, является одной из основных задач. Художник сначала видит общий объем предмета, затем делит его на составляющие, формы. После этого вновь объединяет предмет в рисунке, создавая объем. От общего к частному, от частного к общему. Художник смотрит на предмет, анализирует форму. В этот момент его темперамент, психическое состояние, конституция, его социальный и эстетический опыт, накладывают свой отпечаток и придают индивидуальность изображению, которая присуща только этому одному художнику. Каждый художник индивидуален. Индивидуальность зависит от его характера, воспитания, восприятия и отражения окружающего мира, от желания постичь и выделиться. В процессе обучения необходимо сохранить индивидуальность студента, как личности и продолжить ее развитие.
В сфере непосредственного творчества предмет воздействует на художника своей формой. У мастера возникает желание изобразить его и тем самым показать свое отношение к этому явлению, которое проявилось в этот момент. В другое время, при других обстоятельствах отношение к предмету может измениться или поменяться. Это зависит от выбора и решения конкретной предметно-художественной задачи, положенной в основу будущего произведения. Художник передает свое видение, отношение к предмету через объем и форму, делая это при помощи карандаша или красок. В этой специфической фазе постижения мира открываются горизонты изобразительного творчества, которые могут быть понятны, а могут, и нет, простым обывателям. В момент создания произведения художник не думает о том, что будет понятно, а что нет, его интересует объем и форма и решение поставленных задач. Безрассудно было бы полагать, что художник не ставит перед собой задачи, а просто рисует, не напрягая свой мозг. Поэтому не каждая работа получается удачной. Есть хорошие, есть не очень, а есть и те, которые не удались, т.к. не были решены задачи в процессе творчества. А обывателю может понравиться эта работа. Может быть, и наоборот художник будет в восторге от того, что ему «вещь» удалась, а зритель, не поняв восторга – выразит свое пренебрежение к этой работе. Происходит это довольно часто, но это не означает, что художник сошел с ума, а зритель попался тупой. Совсем нет. Просто они находятся на разных ступенях развития. Эта работа выполнена для определенной группы людей, которые имеют специальное образование. Некоторые могут возразить, отметив, что художник рисует для народа. Да именно так, но та небольшая группа также – народ. Под каждого не угодишь. Если выполнять работы для обывателя, т.е. заниматься салонным искусством, то художник останется на том уровне развития, который он получил ранее, дальше он развиваться не будет. Его звезда потухнет. Нет необходимости подстраиваться под зрителя, необходимо заставлять зрителя развиваться, чтобы он стал не просто созерцателем, но и попытался понять и объяснить увиденное произведение, тем самым повышал свой уровень развития. Художник может работать либо непосредственно с натуры, либо без нее – по памяти или по представлению. Индивидуальный подход, свое видение, своя техника исполнения, манера письма, а все для того, чтобы удивить зрителя своей оригинальностью, форма возникает как индивидуальный чувственный отпечаток внутреннего состояния художника. Можно сказать, что это есть творчество, а момент когда происходит превращение яблок в объем и форму и снова в яблоко, есть творческий процесс. Творческий процесс, а не простое копирование, начинается он тогда, когда появляется готовность к творчеству. Но эта готовность становится творческим актом лишь тогда, когда художник «увидит» глазами, сердцем, разумом такое проявление волнующего его чувства, которое приобретет чувственную неповторимость своего существования, когда живописец возьмет в руки кисть, а скульптор – резец и каждый по-своему начнет создавать форму.
Когда студент, глядя на предмет, пытается анализировать его форму, рассматривает его, как объект, не привязывая его к области применения, и у него возникает желание его изобразить, а при изображении получает удовольствие – есть творческое начало, начало творческого процесса. Может быть и пути, по которому придется идти всю жизнь
Что видит художник?
Любаяпрофессия кем работать» rel=»dofollow»> профессия накладывает отпечаток на то, как мы воспринимаем мир вокруг себя. Там где кто-то видит обычный камень, ну или красивый камень, геолог видит горную породу с определенным названием. Мои друзья дизайнеры часто обращают внимание на рекламу, начертание шрифтов, компоновку элементов на баннерах и плакатах. Врач, инженер и художник видят мир по разному.
Когда вы начинаете рисовать изменяется и ваш взгляд на действительность, красота появляется там, где раньше не замечалась, мир приобретает больше красок. Но пожалуй, живопись и рисование одно из немногих занятий, успех которого зависит от умения видеть мир по особенному. Рисование и наблюдение – два очень тесно взаимосвязанных процесса.
Что же видит художник и чем его взгляд отличается от взгляда людей, не занимающихся творчеством? Подобно тому как поэт формирует стихи из глаголов, существительных и прилагательных, художник составляет картину мира из линий, форм и цветов. Хотя, конечно, только этого не достаточно, и поэту и художнику нужно еще вложить в произведение свои чувства.
Любой рисунок или картину до известной степени можно разложить на несколько простых элементов:
Эти семь элементов и представляют собой визуальные символы, которые использует художник для создания произведения искусства. Итоговая работа – сумма данных элементов, каждый из которых нужно научиться видеть, прежде чем рисовать.
Когда вы смотрите на законченную работу художника не всегда понятно где заканчивается один элемент и начинается другой. На самом деле мы видим произведение как нечто целое. Точно также и в жизни, мы смотрим на объекты окружающего мира видя их целостно, неотрывно от их окружения, пространства в котором они находятся. Наши глаза “считывают” все элементы вместе.
Посмотрите на натюрморт Поля Сезанна:
Элементы линий здесь переходят в очертания и форму предметов, светотень, пространство и фактура создается с помощью цвета. Взаимосвязь художественных элементов создает для нас на плоскости картины изображение вазы с фруктами, прозрачного бокала с водой, лежащего на столе полотенца.
Не всегда художник использует все элементы. Например на рисунке Анри Матисса мы видим такие элементы как линия и очертания, но здесь отсутствуют форма, цвет, светотень и т.д.
Научившись видеть, воспроизводить на бумаге и объединять различные визуальные элементы вы сможете создавать из них рисунки и картины.
Однако, не спешите охватить сразу всё. Вспомните, как вы учились читать. Вы не брались сразу за “Войну и Мир”, осваивали сначала буквы, пробовали читать по одному слову, постепенно собирая из них целое предложение, потом небольшие тексты и т.д. Также и с рисованием. Мы начинаем с одного элемента, потом знакомимся со следующим, постепенно пробуя их объединять.
Данная статья предваряет небольшую серию постов о художественном видении и элементах рисования. В каждом посте я буду давать небольшие упражнения и задания для тренировки. Так постепенно мы познакомимся с языком рисования.
Упражнение:
Художник мыслит рисунком. Кажется, это сказал Леонардо да Винчи. Тренируйтесь смотреть на объекты окружающего мира с мыслью о том, как можно было бы их нарисовать. Постоянно рисуйте в собственной голове, с помощью мысли. Думайте о том, как бы вы изобразили то что видите на бумаге, какие материалы использовали бы, как проводили линии, в каком направлении и в каких местах наносили штрихи или мазки. Я всегда говорю, что очень полезно постоянно делать небольшие наброски. Упражнение мысленного рисования пригодится, когда у вас нет с собой альбома для зарисовков (чего в действительности не должно случаться) или в ситуациях, когда рисовать неловко и затруднительно: в автобусе или метро, смотря телевизор, находясь в торговом центре, всегда и везде развивайте этот навык. Вырабатывайте привычку мыслить рисунком.
Следите за обновлениями. Продолжение следует.
«Он художник, он так видит»: действительно ли искусство меняет зрительное восприятие?
Разбираемся, так ли далёк от истины ироничный комментарий, который часто пишут под произведениями сомнительного качества, и выясняем, может ли искусство поменять зрение.
Зрение художников окутано многими мифами, и один из самых известных – о пользе глазных болезней для искусства. Авторы таких гипотез стремятся объяснить патологиями зрения особенности творчества известных художников или даже появление целых направлений. Широко известно предположение, что импрессионизм зародился благодаря близорукости. Это не так: истоки и философия движения – тема для отдельной статьи.
А вот один из основателей импрессионизма Клод Моне чуть не потерял возможность творить из-за катаракты. Развитие его болезни хорошо задокументировано в письмах, где художник жалуется, что мир вокруг стал менее ярким, а краски он вынужден выбирать по названиям на тюбиках.
В конце концов, Моне согласился на операцию, которой боялся не меньше самой болезни, и зрение почти что вернулось к норме. Правда, кувшинки стали чуть-чуть синеватыми из-за того, что глаз художника стал видеть ультрафиолет:
В дефектах восприятия цвета пытались обвинить Ван Гога, приписав ему редкое состояние – ксантопсию (Xanthopsia), меняющее восприятие желтого. Из записей художника мы знаем, что он экспериментировал с желтым цветом сознательно.
А вот ирландский постимпрессионист Пол Хенри (Paul Henry) действительно был дальтоником. Из-за этого он часто добавлял в свои картины яркие красные детали, выполненные чистыми цветами без смешивания красок:
В каком-то смысле это действительно часть узнаваемого стиля художника. Тяжелые формы дальтонизма могут заставить отказаться от живописи и заняться, например, скульптурой – по такому пути пошел Пол Меншип. Но такие нарушения восприятия цвета, как ни парадоксально, не являются непреодолимым препятствием: многие современные художники нашли способы его обойти. Кроме того, сами по себе цвета не так важны, если уметь правильно работать с тоном, их подбор «вслепую» может даже сделать рисунок интереснее. Убедиться и освоить полезное упражнение предлагает Марко Буччи.
Чуть более научно выглядит теория, что вытянутые фигуры на картинах Эль Греко появились благодаря астигматизму. Но анализ его работ дает понять, что так изображены только религиозные фигуры:
В тот же список попадет и Леонардо Да Винчи, талант которого списывали на косоглазие, и большинство известных и значимых художников. Но все эти теории объединяет одно: они легко опровергаются, а глаза художников, по-видимому, ничем не отличаются от глаз обычных людей. И если с вашим зрением что-то не так, ожидать творческого порыва не стоит – вместо этого надо срочно идти к врачу.
Зрение – это не только получение зрительной информации, но и ее обработка. И раз с глазами не получилось, остается изучить вторую часть зрительной системы – мозг. Самый простой способ сделать это – айтрекинг, позволяющий проследить логику движения глаз.
Человек, в отличие от фотоаппарата, не может сразу рассмотреть все, что находится в поле зрения – взгляд перемещается от одной детали к другой, при этом некоторые из них привлекают его сильнее. Исследования того, что именно притягивает взгляд, начались еще в 30-х годах прошлого века.
Несмотря на почти 100 лет изучения, простого ответа на этот вопрос все еще нет. Скорее всего, его вообще не существует – наша нервная система очень сложна, а обработка зрительной информации может идти двумя путями:
Восходящий (bottom-up) принцип обработки – это то, на что влияют базовые принципы построения композиции, визуальный вес элементов, работа с цветом, тоном и контрастностью, а также динамика и направляющие линии. В этом случае обработка происходит от глаза к мозгу, а движения глаз определяются той информацией, которую они передают в мозг.
Восходящий путь наиболее характерен для просмотра пейзажей.
Нисходящий (top-down) принцип обработки более индивидуален – он подвержен нашим ожиданиям и тем знаниям, которые мы накопили в течение жизни. В этом случае движения глаз определяются информацией, которая уже сохранена в мозге. Он часто используется в тех случаях, когда в поле зрения появляется человек.
Влияние могут оказывать многие факторы:
Обработка редко идёт только по одному пути: обычно это сложное взаимодействие. Для изучения этих процессов, как правило, берутся люди, далекие от искусства – так проще сделать вывод. Глаза художников в таких экспериментах движутся совершенно по-другому:
Одно из самых известных исследований этих закономерностей провела Стайн Вогт, сравнившая студентов художественных школ Норвегии и контрольную группу не искушенных в искусстве людей. По ее данным, художники тратят в два раза меньше времени на разглядывание стандартных точек притяжения, не поддаваясь на уловки авторов изображения. Вместо этого они осматривают все изображение «абстрактно», не забывая пройтись по «пустым» зонам. Это наталкивает на мысль, что они полностью игнорируют восходящую обработку, вместо этого находя точные характеристики объектов и оценивая художественные параметры изображения по нисходящему пути.
Вторая особенность – отсутствие длительных фиксаций на знакомых деталях при повторном просмотре. Этот критерий часто используется для оценки памяти при ее нарушениях, но таких значений, как художники, не достигают даже тяжело больные люди. Это выглядит странно, ведь зрительная память – важный навык, который постоянно тренируют все художники. Вогт считает это открытие неожиданным и свидетельствующим о существовании совершенно иной зрительной стратегии.
Но неожиданно это только для ученых: специальному способу смотреть на изображаемые объекты учат всех новичков в художественных школах, часто ставя знак равенства между умением рисовать и умением видеть. Общие принципы таковы: «отключить» восприятие предметов как предметов, увидев вместо них пятна света и тени, которые следует перенести на холст:
Старайтесь забыть о том, что вы видите перед собой, о дереве, доме, о поле, о чём угодно. Просто думайте, что в этом месте маленький синий квадрат, там продолговатая розовая фигура, и продолжайте до тех пор, пока у вас не возникнет наивного впечатления от картины, которая находится перед вашими глазами
Картины импрессионистов буквально состоят из этих форм:
Принцип подходит не только для импрессионизма, он известен задолго до Моне, а первое подробное описание принадлежит историку искусства Джону Рёскину:
Вся техническая сила живописи зависит от восстановления того, что можно назвать невинностью глаза [the innocence of the eye]. Это что-то вроде детского восприятия плоских пятен цвета, без осознания того, что они собой представляют – как если бы слепой внезапно прозрел
По мнению Рёскина, так видел бы мир прозревший слепец, но сейчас, спустя 100 лет после его смерти, мы знаем, что это предположение имеет мало отношения к реальности – все снова намного сложнее.
Научно интерпретировать невинность глаза достаточно сложно, но авторы этих двух исследований, считают, что эта зрительная стратегия позволяет художникам точно изображать действительность, отсекая ошибки восприятия, влияющие на качество работы.
Как именно это происходит – вопрос более сложный. Чтобы разобраться в нем, придется немного поговорить о том, как именно ошибается зрение человека. Обычно такие ошибки делят на два типа:
Эта классификация очень условна – иллюзии и делюзии не дискретны, есть много случаев, находящихся где-то посередине:
Описание Рескина и Моне подразумевает доступ к «сырыми данными» с глаз, который позволил бы отсечь иллюзии, например, избавиться от субъективного постоянства цвета, мешающего видеть теплохолодность:
Или от иллюзий, связанных с постоянством формы и размера:
Но эксперименты показывают, что и художники, и обычные люди подвержены таким ошибкам в равной степени, а многие иллюзии еще и обусловлены физиологией. Научиться «достовернее» видеть, отказавшись от обработки информации мозгом, нельзя.
Вместо этого можно научиться «достовернее» думать – в этом случае зрительная стратегия поможет отсечь делюзии – ошибки, которые мозг создает сам для себя. В основном они связаны с тем, что мы знаем, как выглядят предметы вокруг и ожидаем, что эти знания совпадут с реальностью.
Попросив обычного человека нарисовать лежащую на столе шляпу, мы, скорее всего, увидим нечто похожее на картинку выше. Это не рисунок с натуры, а «иконка», стереотипное изображение которое нам показывает мозг, когда мы распознаем или визуализируем соответствующий ему предмет. Такие сохраненные схемы способны очень сильно влиять на рисунок, прорываясь в него и замещая собой то, что мы видим глазами.
На первый взгляд это делает вредным совет расширять визуальную библиотеку. Зачем запоминать то, что будет потом мешать? Но делюзии отличаются от иллюзий тем, что их можно корректировать. Эрнст Гомбрих считал, что художники всегда работают от сохраненного в мозге стереотипа, который подгоняется так, чтобы картина совпала с натурой. Гомбрих полагал, что никакого невинного взгляда вообще нет, а визуальная библиотека – главная сила художников. Отчасти это так – художники, особенно начинающие, фактически работают с сохранёнными в голове схемами, постоянно сверяя их с натурой.
Упражнения по расширению визуальной библиотеки и бесконечные задания по рисованию простых форм и обрубовок головы направлены именно на формирование и сохранение правильных схем.
Но совсем отбрасывать термин «невинность» тоже нельзя: зрительная стратегия отличается очень сильно, а опытные художники используют одни и те же зрительные приемы и техники, рисуя и привычные для них объекты, и абсолютно новые. В каком-то смысле они действительно видят все как в первый раз, но делают это не за счёт отключения мозга, а за счет долгого обучения правильной работе.
Что делает художников особенными – не более высокая восприимчивость к цветам или деталям. Мы делаем бессознательные процессы осознанными, и заставляем их помогать нам
Текст написал Артемий Третьяков, автор в Smirnov School. Мы готовим концепт-художников, левел-артистов и 3D-моделеров для игр и анимации. Если придёте к нам на курс, не забудьте спросить о скидке для читателей с DTF.
Я действительно так вижу
Ну и внешность людей научился анализировать.