что в будущем может стать музейным экспонатом

Какие предметы могут стать музейными экспонатами?

На очередном заседании клуба «СоциУм» школьникам рассказали, пожалуй, о самой интересной стороне профессии историка – работе с артефактами и музейными экспонатами.

На очередном заседании клуба «СоциУм» школьникам рассказали, пожалуй, о самой интересной стороне профессии историка – работе с артефактами и музейными экспонатами.

Наиболее «провальная» категория посетителей музеев — это ребята в возрасте от 14 лет до 21 года, их очень редко можно увидеть на экскурсиях. Организаторы клуба «СоциУм» решили исправить это положение дел и рассказать школьникам, что музеи – это не только пыльные вещи за толстыми стеклами.

На занятии участники клуба узнали, что существует множество видов музеев. Это всем известные краеведческие музеи, картинные галереи, а также мономузеи, где выставляется только один предмет или вещь в разных вариациях. Например, музей утюга, ложки, грампластинок, воды, воздушных змеев и даже смекалки. У ребят сразу же возник вопрос: неужели каждый предмет может стать экспонатом музея? Оказалось, что нет. Для этого предмет должен обладать двумя качествами: иметь историческую ценность или необычную «судьбу».

Кроме того, чтобы заинтересовать посетителей, современные музеи не просто представляют предмет, но и показывают его историю. Так, деньги, поднятые с «Титаника», привлекают внимание посетителей гораздо больше, чем обычные, пусть и старинные купюры.

Следующее заседание клуба «СоциУм» состоится 9 декабря.

Источник

Что в будущем может стать музейным экспонатом

Проекции — еще один востребованный способ оформления экспозиций исторического искусства. С помощью проекторов пространство музея превращается в часть экспозиции, передает настроение и атмосферу произведений.

На биеннале в Венеции в этом году экспонировался проект индийского художника Джитишша Каллата «Сопроводительное письмо»: строку за строкой цитирует миротворческое письмо Махатмы Ганди Гитлеру с помощью технологии fogscreen —фотографию или видеоряд проецируют на сценический «туман».

Датчики или коды, установленные возле экспонатов и в интерьере музея, «общаются» с аудиогидами или смартфонами посетителей, активируют контент при приближении к конкретному экспонату. Так, например, в американском музее естественной истории музейное приложение Explorer ведет посетителей по выставке с помощью 800 маяков.

Заодно технология позволяет музеям анализировать, как посетители взаимодействуют с экспозицией: какими маршрутами ходят, как долго и у каких предметов задерживаются, в каких точках теряются.

Музейные эксперименты с технологиями рассчитаны не только на развлечение широкой публики — они помогают донести искусство до тех, кому оно было недоступно прежде. Люди, которым не по карману путешествия и посещение знаменитых музеев вживую, получают онлайн-доступ в лучшие мировые коллекции, оцифрованные в рамках Google Art Project.

Дети — еще одна аудитория, которой мультимедиа помогают начать ценить историческое искусство. Судя по отзывам, юные посетители оценили выставки «Великие модернисты. Революция в искусстве» и «Микеланджело. Сотворение мира» в московском центре дизайна ArtPlay. Их кураторы предлагали посетителям рассматривать картины в 3D-очках, фотографироваться внутри шедевров и танцевать под музыку.

С помощью Nintendo 3DS парижский Лувр устраивает видеотуры на языке жестов для людей с нарушениями слуха. Видеогиды на жестовом языке есть и в музее русского импрессионизма, и в Третьяковской галерее.

Одним словом, если вы не были в музее со времени последней школьной экскурсии — вам предстоит совершенно новый опыт. И этот опыт вас приятно удивит.

Источник

Наш прогноз: какими станут музеи через 10 лет

Художники, как артисты, станут жить в галереях на глазах у зрителей

В международном музейном деле есть вещи, которые еще не оформились в явление, но уже видны предпосылки к тому, что в ближайшие лет 10–20 понятие «музей» сильно мигрирует из привычных нам рамок в иную плоскость. Мы попытались спрогнозировать — что это может быть.

Скульптура группы Recycle в ГМИИ им. Пушкина. Фото: из личного архива.

Не делайте из музея культа!

Музей — это не только храм высоких человеческих проявлений, куда принято за ручку водить школьников. Насилия, тщеславия, навязанной шаблонной ориентации в искусстве там ничуть не меньше. Банальной коммерции тоже. Ничего нет странного и страшного в том, что музей может перестать восприниматься местом развески шедевров, на которые надо глазеть, а сам термин, возможно, выйдет из обихода, когда появится более соответствующий духу времени аналог.

Музей в его консервативном значении появился не так давно. С середины XVIII века в Британский музей (как родоначальник жанра) свозили всё, что награбили по колониям. Новый толчок и новую музейную моду помимо всяческих вельможных коллекций задали археологические раскопки на Ближнем Востоке в XIX веке (особенно в Египте — на чем строилось, например, собрание Старого берлинского музея). Не хотелось бы сводить суть старых музеев до легализации наворованного. Но нелицеприятных подробностей с происхождением артефактов было немало.

Да и сейчас мало кто из смертных в курсе, что общепринятой музейной практикой является подъем эстимейта (оценочной стоимости) произведения, выставляемого музеем из частной коллекции. Допустим, есть у олигарха старая картина, он хочет ее продать подороже на аукционе. Но даже с наличием экспертиз, существуют легкие сомнения — писал ли ее сам Великий Мастер или, скажем, его ученик. Разница в цене, сами понимаете, на порядки. И вот эта картина (формально полагаясь на основания одной из экспертиз) проходит через чистилище (то есть через выставку в статусном музее), что легализует ее высокий провенанс, и автоматически добавляет ей несколько сотен, а то и миллионов в цене.

То же касается и современных художников: одно упоминание, что твои работы прошли через выставку, скажем, в парижском Центре Помпиду или в наших музейных флагманах, увеличивает стоимость не только этих вещей, но и художника в целом. Это создает поле для возможных, скажем мягко, договоренностей.

Основываясь на истории и объективной реальности, мы выделили семь новых трендов в развитии музеев, которые так или иначе коснутся всех — и музейных храмов, и галерей, и центров современного искусства (которые неспроста избегают именоваться музеями).

Наш прогноз: семь факторов музейной эволюции

1. НЕ СМОТРЕТЬ НА КАРТИНЫ, А НАХОДИТЬСЯ СРЕДИ НИХ.

Начнем с психологии зрителя. Мы провели мини-опрос на выходе из крупных музеев: многие чувствуют усталость от общения с прекрасным. И дело не в отсутствии диванчиков. Публика не умеет правильно распределять психомоторную нагрузку, долго двигаясь по длинным анфиладам с самой «усталостной» скоростью в 2 км/ч. Результатом этого становятся, с одной стороны, переизбыток визуальной информации, с другой — непокидающее чувство, что до тебя это видели уже миллионы людей, тысячи сделали селфи на фоне картин и ты здесь уже не соавтор, остающийся наедине с художником, а просто турист с присущей туристу нормой — видеть не суть явления, а всего лишь поверхностную красивость.

Только вдумайтесь — любое произведение искусства, по идее, должно хоть чуть-чуть менять человека. Пусть хоть и временно, но перезагружать его, как смартфон, при обновлении системы. С музеями это происходит все реже: люди отсматривают Джотто или современных авторов, а итог один — сказать друзьям и успокоить себя словами «и я это видел». Туризм. Причем даже не интеллектуальный. Отсюда и усталость — на тебя тоннами наваливается то, что твой организм внутренне не успевает переварить, не считывает, отторгает.

Что есть? Зритель, приходящий, например, в роскошный (с точки зрения архитектуры) музей абстракциониста Эмиля Шумахера в немецком Хагене, откровенно не знает, чем себя занять, переходя с этажа на этаж и рассматривая однотипные (на взгляд человека неискушенного) полотна. Ждать сегодня от большинства какой-то глубокой подготовленности сложно. Вопрос не в подготовленности, а в возможности актуального диалога.

Появилась масса людей, забегающих в музей по настроению, без нарочной цели. «На душе сейчас как-то уныло, похожу-ка я по галерее, поразмышляю». То есть человек (пусть даже очень умный) намеренно не хочет грузить себя никаким культурным бэкграундом, но хочет общаться на флюидах, без навязанных временем великих имен и их великих творений.

Сегодня часто превалирует концепт: зритель, ты ничто, скажи спасибо, что тебя вообще допустили посмотреть на VIP-персону в лице Рафаэля. «Мона Лиза» в Лувре за пуленепробиваемым стеклом — это апофеоз музейного шоубиза, явление Майкла Джексона народу. Но уже многих от музейного туризма коробит, люди хотят смены декораций. Не ты для картин, а картины для тебя.

Что будет? Возможно, сам принцип «стоять и в упор смотреть на картину» видоизменится. Кто сказал, что абстракции надо именно рассматривать? Вы же не рассматриваете радиоволны. Не за счет своего внешнего вида эти картины остались в истории. Они стали новой моделью поиска смыслов в искусстве. Быть может, гораздо уместнее в хаотичном порядке поставить среди развески стулья, лежанки… Пусть люди находятся в обществе этих полотен, занимаясь кто чем — читая, общаясь в смартфоне, размышляя, рисуя, встречаясь с родственником, и, видя картины краем глаза, ощущая их.

Зрителя надо зафиксировать в разных точках зала в качестве своеобразного живого экспоната. Просторные помещения современных музеев это позволяют. Пусть проживает здесь часть жизни, пусть общается опосредованно. Нет ничего удивительного, если живой человек становится центром восприятия. Разово, как эксперимент, это уже кое-где работает.

Плакат с покемоном на двери венской галереи Бельведер. Фото: Ксения Коробейникова

Например, в Вене на дверях галереи Бельведер висят зазывающие молодежь плакаты с изображением покемона Пикачу и предложением культурно провести с ним время на территории дворца Габсбургов, то есть интегрироваться в среду. И это только начало.

2. ЭКСКУРСОВОД ПРЕВРАТИТСЯ В ИНТЕЛЛЕКТУАЛЬНОГО СТАЛКЕРА.

Традиционная проблема мировой музейной практики — качество экскурсоводов. Хороший гид — тот же актер, обладающий неимоверным кругозором, а главное, тонко чувствующий свою аудиторию — как и в каких дозах заинтриговать. Что мы подметили за последние месяцы, наблюдая за работой гидов: людям уже не нужна «скороговорка», когда гид шпарит один и тот же заученный текст, а спросишь его поглубже по теме или чуть в сторону — впадает в ступор. Публика стремится к актуализации увиденного, ей нужно оправдать все эти старые артефакты в глазах современного человека. Принцип «раритет говорит сам за себя» перестал работать.

Что есть? Разные музеи всяк на свой манер заигрываются с аудиогидами. Ты можешь скачать приложение — и по выставке тебя сопроводят заранее записанные голоса Ксении Собчак и Сергея Шнурова (как в ГМИИ им. Пушкина), Евгения Миронова и Михаила Швыдкого (как в Третьяковской галерее). Или частенько при подходе к конкретным экспонатам включаются тихие голоса — то тебе отрывки из писем Ван Гога прочтут, то дневники Эжена Делакруа. Но пока эти полумеры абсолютно не вовлекают человека в диалог.

Что будет? Люди теряют причинно-следственные связи, пространственную ориентацию. Причем двояко — и с традиционным искусством, и с новым. Почему икона сначала была анонимной, а потом у нее появляется автор? Что в этот момент происходит с границами государства и были ли они вообще? Наблюдали прихожане эту икону в упор или с расстояния в 10 метров? Какое зрение было у людей в ту пору, когда полжизни (весьма короткой) проживали при свечах и лучинах? Сколько эпидемий чумы данная икона пережила? Ответьте на эти вопросы — и тогда икона заговорит. Сегодня же иконописные залы, как правило (если только там не висят хиты), пробегаются публикой быстрее всего — материал не считывается.

С актуальным искусством примерно та же проблема, что и с современной наукой. Наука ушла так далеко вперед, что ее очень сложно популяризировать, приблизить к людям. Возникает пропасть, когда даже образованный человек не в силах понять, что происходит сейчас на передней кромке, к чему идет мир. А ведь из этого складывается то, что мы называем мировоззрением.

То же и с новыми художниками. У каждого из них своя логика развития, из конкретной инсталляции ее не узреть. Люди легко привыкают к тому, что если они приходят на биеннале современного искусства и видят тонны нового арта, то голову можно не включать, а просто тащиться от сугубо дизайнерских решений — здесь красное пятно, а здесь зеленое.

Отсюда наш прогноз — со временем появятся интеллектуальные сталкеры (платно/бесплатно, от музея или сами по себе). Ты идешь по музею, у тебя перед глазами конкретные произведения, ты заходишь на смартфоне в группу сталкеров, сидящих онлайн, и они — биологи, историки, художники, военные, химики, краеведы, кто угодно, этакие фанатеющие толмачи-переводчики — тут же комментируют для тебя со всевозможных точек зрения все эти артефакты. Это примерно принцип Википедии, только в более узком, музейном ключе. А что делать, если без помощника человек уже не в состоянии ничего считать? Вон до сих пор приходится объяснять, что «Черный квадрат» — это не шутка, а Петр Павленский — не идиот.

Сталкеры, сидящие онлайн, рассказывают о произведениях искусства. Фото Степан Григорян.

3. УХОД МУЗЕЕВ В ВИРТУАЛ.

Виртуал — модное слово, но по факту виртуальной составляющей у музеев сегодня почти нет.

Да, каждый музей имеет сайт, там выкладывают цветные картинки, которые вы (если речь о репродукциях) и так безо всякого сайта можете посмотреть где угодно, только кликните в поисковике. Поэтому сайты музеев пока — это просто их электронное представительство, реклама, не более того. Но если со временем художники начнут создавать только виртуальные артефакты, а тем более если эти произведения на рынке будут иметь энную стоимость, то виртуальность музея будет вполне оправданна и наполнена смыслом.

Что есть? Недавно в ГМИИ им. Пушкина выставлялись наши Ресайклы (арт-группа Recycle, созданная краснодарскими художниками Андреем Блохиным и Георгием Кузнецовым). В историческом антураже главного здания, среди всяческой античности ты вдруг натыкаешься на пластиковый экспонат, затем подносишь к нему смартфон с заранее скачанным приложением, и в телефоне у тебя появляются 3D-контуры людей, с которыми ты можешь как бы сфоткаться. Концептуально? Разумеется. Но пока это на уровне технологических поисков, где-то даже забавы, серьезная смысловая подложка — впереди.

Белого тела нет в реальности: это виртуальная скульптура группы Recycle. Фото: instagram.com.

Что будет? Многие века для художников и скульпторов реально созданные объекты были главным фетишем. Вот поставил ты Христа на горе в Рио — какой елей тебе на душу, «ах, какой я крутой скульптор». Готовы ли скульпторы к тому, чтобы сказать «а у меня посреди Красной площади стоит Злобный Таракан и шевелится»? Нет, не в реале, но при наведении на него любого смартфона с мыслью сфоткать красивый вид, он там непременно появится. Та же скульптура. Она есть. И на этом месте. Но она виртуальна. Готовы ли психологически скульпторы, художники к такому повороту? Конечно. Это вопрос освоения новых технологий, кооперации людей разных профессий — художника и программиста. И, как результат, рождение новой профессии.

Тогда (платный) вход в виртуальный музей, где вы (за непродолжительное время) сможете увидеть выставку несуществующих в реальности работ, будет оправдан. Цена просмотра повысится, если будет объявлено, что эти работы сгорят, сотрутся, и никогда более выставлены не будут.

Есть одно «но»: на уровне одноразовой хохмы может выстрелить все что угодно, но трендом это станет когда а) скульпторы не будут копировать в виртуале обычную объемную скульптуру, а найдут свой особый язык, оправданный для рождения нового жанра, б) эти артефакты зафиксируются на рынке, обретут стоимость.

4. ХУДОЖНИКИ, КАК АКТЕРЫ, СТАНУТ ЖИТЬ В МУЗЕЯХ.

Если раньше всякий, кто вставал с палитрой у холста, априори назывался художником, всякий, кто ставил клавир на пюпитр, назывался композитором, то теперь. каждому конкретному творцу надо сочинять профессию под себя. Одна из причин — утрата преемственности. Если раньше ты, как ученик ученика, в двадцати рукопожатиях мог дойти до Рубенса или Бетховена, то нынешние творцы, только ищущие название своему делу, учеников не могут оставить по определению.

Известная акция Марины Абрамович со змеей. Фото с сайта Абрамович.

Можно по-разному относиться к действиям того же Павленского, но с высоты птичьего полета это все та же попытка найти себя как творческую единицу в новой системе координат. Художники печенкой чувствуют свою вторичность, но не хотят с этим мириться. И на поиск самоопределения сегодня обречен любой дерзкий ум. Словами мудрой Ирины Антоновой, «[поиск нового языка художниками] это тоже креативная деятельность, но не из области художественного мира; разделение [между старым и новым] произойдет, и новое искусство найдет и определение себе, и свой путь». Так что если художник уже не художник и картина в раме составляет все меньший процент всей «продукции», то отношения между музеем и его аудиторией должны выстраиваться по новым правилам.

Что есть? Живой музейный перформанс как жанр существует уже более полувека. Широко распиарены проекты Марины Абрамович — та же «Невесомость», когда она со своим партнером стояли обнаженными в узком дверном проеме и каждый желающий мог через них протиснуться. Только что Новая Третьяковка с Музеем архитектуры и фондом V-A-C показывали «ситуации» Тино Сегала. Когда, например, смотритель в зале вдруг мог запеть нежным голоском: «Это пропаганда!» у картины Дейнеки. Были примеры реального музейного проживания художников у всех на виду в стеклянной капсуле. Но все это, как ни крути, выстреливало в виде разовых акций.

Проблема в чем? Мы всё более завязли во вторичном сознании. Куда ни плюнь — везде наследие, шедевры, бахи да моцарты. Но художник по своей природе заточен на поиск. Да и не только художник. Третью мировую как раз приближают не политики, а повсеместное ощущение устаревшего мира с Моцартом и да Винчи. Увы, в этом много иронии, что главный злодей XX века был именно художником, начавшим свои художества с рекламных плакатов, а закончившим на концлагерях и газовых камерах.

Думается, это отразится и на музейной практике. Художник будет жить в музее у всех на виду в неких новых рамках и новых условиях, являясь своеобразным примером (или антипримером, неважно) для остальных. Это, кстати, связано и с утратой в обществе духовных авторитетов — назовите хоть один общественный институт (учителя, актеры, ученые, священники), который давал бы нам на регулярной основе примеры подвижничества?

5. СТОИМОСТЬ КАРТИН ПЕРЕСТАНЕТ БЫТЬ ГЛАВНОЙ ПРИМАНКОЙ.

В XX веке феноменально пошел в гору аукционный бизнес. Великие мастера, полотна которых еще до Первой мировой могли стоить относительные копейки, оказались на рынке и взлетели в цене. В мире, где прочие устои рушатся, произведение искусства стало рассматриваться как несгораемый, недевальвируемый эталон, беспроигрышное вложение денег. Это не могло не сказаться на восприятии музея как такового. Он стал чем-то вроде Форт-Нокса, где можно за деньги поглядеть на такие же деньги. Многие современные люди, рассматривая Рембрандта, прежде всего думают, что он дорого стоит, а уж потом все остальное.

Рембрандт «Автопортрет с широко открытыми глазами», 1630. Фото музей Рембрандта.

Что есть? Люди придумали себе такой психоз — «пусть это стоит очень дорого» (должно же быть что-то невероятно эксклюзивное). И до поры будут этим забавляться, пока все это не лопнет вследствие появления более модного объекта эксклюзивности. Надо помнить простую вещь — у шедевра нет цены. Все эти аукционные сотни миллионов — всего лишь предмет договоренностей. Это условность, в которую люди играют, и аукционы всё более начинают напоминать финансовые пирамиды. Когда никаких критериев в подъеме цены не просматривается вовсе — миллионы стоят уже и Ван Гог, и современный Херст, и сомнительные полуфейковые «шедевры», уже что ни попадя.

Что будет? Это только так кажется, что Ван Гог незыблем и вечно будет расти в цене. Поменяй в мозгу настройку, перенаправь медийный тренд — все мгновенно полетит к чертям. С появлением феномена криптовалют (оторванных от физического актива и генерируемых технически) можно допустить, что произведения искусства постепенно утратят статус уникального нетленного денежного эталона. Это же вопрос массового сознания: начнет один богатый — фантазируем — собирать редкие патенты и математические алгоритмы, так за ним сразу потянутся и другие. А это вышибет из-под музеев главный мировоззренческий колосс, на чем все и держится. Или появятся такие технологии, чтоб не подделать, но воссоздать, клонировать один к одному любой раритет на молекулярном уровне… и будет вам сто реально одинаковых «Подсолнухов», каждый со своей «аурой», в частности, по наличию или отсутствию которой специалисты отличают оригинал от подделки. Или, наоборот, клон (по каким-то причинам) будет считаться куда более крутым и дорогим, чем подлинник.

6. ЗРИТЕЛЬ САМ ДОДЕЛЫВАЕТ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА.

Раз художник будет творить нечто на твоих глазах прямо в музее, то и ты, зритель, в какой-то момент можешь присоединиться к процессу. Существует же архитектурный феномен Саграда Фамилия в Барселоне, когда на деньги туристов вечно строится собор Гауди (когда достроят — начнут реставрировать то, что уже обветшало, и так по кругу).

Что есть? Противоправных, незаконных примеров личного вмешательства в музейный контент много. Тот же Бэнкси незаметно довешивал на существующую выставку свою картину. Наш художник Александр Бренер в 1997-м, зайдя в голландский Стеделейкмюсеум, нарисовал зеленой краской из баллончика знак доллара на картине Малевича «Белый крест» и сказал: «Прибил доллар к кресту, как Иисуса». После чего сам же позвал охранника, чтобы похвастать «нашей общей с Малевичем работой».

Что будет? Нам представляется, что со временем зрители все активнее станут вовлекаться в выставочный процесс, но не на уровне «возьмите кисточку и сделайте мазочек на стене или повесьте бантик на дерево в память об умерших от СПИДа». Для любого нового тренда должны быть веские основания. Если зритель, заходя на экспозицию, четко осознает, что без его участия артефакты не оживут в принципе, то это совершенно меняет картину. Формы могут быть какие угодно.

Вот этот момент интерактивности и связи со всей планетой, когда проект будет проходить в ста музеях одновременно, плюс фактор коммуникации, нахождения общего ключа, общих ценностей, объединяющих людей в эпоху индивидуализма и эгоизма. Все это станет основой для того, чтобы зритель (который, получается, уже и не зритель) стал приходить в музей как на работу.

7. АРТЕФАКТЫ СОЗДАЮТСЯ ИСКУССТВЕННЫМ ИНТЕЛЛЕКТОМ.

Дело не в том, что есть программы, которые за художника нарисуют картинку. Глядя на все эти километры, забитые артефактами, на различных биеннале современного искусства, и безо всякого искусственного разума создается впечатление некой запрограммированности художественной жизни. Человек давно уже не опирается на природу, отринув бесконечность ее смыслов.

Поэтому разговор об искусственном интеллекте — это не вопрос каких-то модных заморочек, это попытка обретения новой природы (увы, нынче сложно умиляться листочкам на березе), нового, привычного для художника, масштаба мышления, который, в силу призвания, должен видеть мир в целом. И новой, пострелигиозной морали тоже. Если у древних греков, как пишут исследователи, не было в качестве понятия феномена совести, то сейчас этой совести нет опять.

Что есть? Адаптация технологий к художественному процессу. Команда историков искусства из голландских музеев Мауриция и Рембрандта, объединившись с группой технологов, и в 2016 году представили проект The Next Rembrandt. Их компьютерная система благодаря анализу и сканированию мельчайших деталей более чем трехсот изображений Рембрандта рисует новые картины, в совершенстве копирующие стиль мастера. Одну из работ, созданную с помощью 13 слоев ультрафиолетовых чернил, скоро покажут публике.

Недавно на «Винзаводе» прошла выставка нашего художника Миши Most: он первым в мире изобрел восьмимоторный дрон, который по его эскизам расписывает стены спреем, создавая самую настоящую живопись. «Человек всегда пытался заглянуть в будущее, — говорит Миша, — с техническим прогрессом это представление стало сильно меняться. И сегодня, когда реализовать можно практически любую идею, оно уже не видится таким романтичным, каким казалось еще в конце XX века: будущее стало более утилитарным. Мы приближаемся ко времени, когда искусственный интеллект все чаще будет замещать реальный. Возможно, совсем скоро в музеях будут показывать произведения, созданные синтетическим разумом».

Художник Миша MOST c дроном на фоне сделанной им живописной работы. Фото из личного архива.

Что будет? Нам, однако, представляется, что не столько арт-продукты искусственного разума будут массово где-то выставляться, — смысл-то в том, что человек все равно ищет себя, свою новую свободу. Возможно, через искусственный интеллект он придет к новой анонимности в искусстве, к обнулению истории, бренда, значимости имени. Блестящий вопрос на вопрос последовал от андроида Софии, первого робота, получившего гражданство Саудовской Аравии, в ходе одной из пресс-конференций. Когда ее спросили: «Можете ли вы быть уверены, что вы — это вы?», она ответила: «Откуда ты знаешь, что ты — человек?» Наверное, это и есть начало новой этики.

Источник